En el contexto del montaje cinematográfico, se denomina música provisional, “temporary track”, o “temp track” a las pistas musicales que se usan mientras la película no está terminada, que sirven al director para transmitir al compositor su idea acerca del estilo, el carácter o el ritmo de la música que busca en una escena determinada. (  http://www.subliminalia.com/2012/07/star-wars-temp-track-una-reconstruccion-musical/)

  La música de la banda sonora provisional generalmente, refleja la intención de estilo y psicología que el director quiere comunicar en la partitura final, Un temp track a menudo se monta por el editor de la película, y si no por el director personalmente.

  Algunos se niegan aa escuchar los track temporales. Otros han dependido en gran medida de ellos para la dirección musical. La composicion final de John Williams 'Star Wars contiene muchas similitudes con la suite de Gustav Holst "Los Planetas" y otras obras clásicas

  En ciertas ocasiones, los directores se han vuelto tan apegados a esta estrategia de montaje que decidieron utilizarlo y rechazar la composicion obtenida por un compositor. Un ejemplo famoso es el de Stanley Kubrick 2001: Una odisea del espacio, de Kubrick, que optó por mantener las obras clásicas de la banda sonora provisional en lugar de utilizar la música compuesta por Alex North.

Basándome en la siguiente cita de Henry Jenkins, creador del termino de transmedia, la cual encontramos en su libro Convergencia cultural: “La narrativa ‘Transmedia’ representa un proceso donde los elementos de una ficción se dispersan sistemáticamente a través de múltiples canales de distribución” de este argumento parte el ensayo.

La revolución digital y tecnológica ha llevado a las personas a consumir música desde diferentes medios y plataformas.  Esto ha traído consigo ciertas tendencias donde los músicos se pueden beneficiar con esto y aprovechar ciertas ventajas que antes la industria de la música no les podía ofrecer. Hoy en día pueden publicar sus canciones en la internet, estar presentes en las redes sociales donde pueden hacer conocer su trabajo, ofrecer conciertos, interactuar con los fans, creando una narrativa, un nuevo mundo que permite al músico una retroalimentación del trabajo que realiza.; comentarios positivos o negativos, sugerencias, exigencias, pueden surgir de la creación de estos espacios.  También pueden tener una página web donde  publiquen contenido  y mantenga actualizados e informados a sus seguidores. Hacer uso  del merchandising, objetos alusivos al músico banda fortalecen su reconocimiento y la creación de una determinada identidad. Ya no solo las grandes discográficas se encargan de hacer conocer al artista y crearle una reputación sino que gracias a estas nuevas plataformas el músico puede autogestionarse, subiendo música a lugares como YouTube, Vimeo, o colocándolos en lugares de descarga, para que cualquier persona del mundo pueda acceder a su música y familiarizarse con ella.

 Esto es algo extraordinario, algo que no lo imaginábamos tiempo atrás, puesto que los músicos que se conocían eran aquellos que se hacían populares en la radio, teniendo un reconocimiento local, nacional y algunos internacional, pero no de la manera vertiginosa en que hoy sucede. Conocemos música de todas partes del mundo, accedemos a ella con una facilidad de tan solo unos clicks de un mouse, y si alguna banda o músico que apenas surge, goza de un reconocimiento por parte de muchas personas, las disqueras colocan sus ojos en ellos, firmándolos y haciendo que su popularidad crezca. Aunque en esta época existen más pocos genios de la música, existe mayor cantidad de personas haciendo música ya sea por la creación de programas que emulan instrumentos y hacen más fácil la creación de esta, o por la masificación de la industria y la autogestión de personas que hacen música y quieren ser escuchados.

Pero el fenómeno de la música y la transmedia no para acá,  los músicos han encontrado nuevas escenarios para desenvolverse como música para video juegos, para una narrativa teatral o audiovisual, televisión, cine ; en donde crean piezas  las cuales sí bien deben narrar desde la música, también se pueden adaptar a la imagen, reforzarla y/o acompañarla. La música de video juegos y largometrajes son llamados Original sound track OST, banda sonora original BSO.

 A la transmediación hay que sacarle provecho ya que es cada vez más común que la música esté disponible en diversos medios y plataformas, y es de interés del músico crear un vínculo, una  conexión fuerte y emocional con su creaciones para llegarle de mejor manera a posibles nuevos y antiguos sus seguidores.

Medellín la más educada según el gobierno significa:

“Medellín, la más educada es la principal herramienta de transformación social aplicada actualmente en toda la ciudad. Materializa las propuestas de la línea estratégica dos: Medellín Social e Incluyente, del Plan de Desarrollo Municipal 2004-2007; articulando esfuerzos e inversiones oficiales y del sector privado en programas, proyectos y acciones de educación formal. Tiene como propósito principal alcanzar la equidad social garantizando el acceso, la inclusión y la permanencia en el sistema educativo de niños, niñas y jóvenes”.

Para los ciudadanos:

¿Medellín la más educada?

“El término educación encierra muchas otras cosas que no se dan, exclusivamente, en las aulas de clases. La educación es un proceso presente en todas las acciones, sentimientos y actitudes de nuestra vida diaria. Es por eso que al decir que Medellín es “la más educada” se esperaría ver esa educación en cada barrio, esquina y calle de la ciudad. Es hora de dejar de pensar en la educación como algo exclusivo de  las instituciones educativas, es una realidad que las calles se han convertido en un espacio para que todos nosotros demostremos qué tan educada es la ciudad autocalificada como “la más educada”, proceso que pareciera se quedó en transformar los espacios pero que no se preocupó por convertir las conciencias de aquellos que ocupan éstos” Marta Helena Higuita.

¿Medellín la más innovadora?

“Alguien me puede informar en que innovo Medellín, el metro? Ya no existen muchos y mejorados, las Bibliotecas? Tienden a desaparecer a nivel mundial para volverse virtuales, El edificio Inteligente? Cuantos edificios existen mucho más automatizados, las escaleras Eléctricas? Deben de existir hace mucho tiempo. Señores soy de Medellín y quiero mucho la tierra pero no podemos tapar el Sol con un dedo. Pongámonos pilas en hacer una ciudad de PAZ que es lo que inicialmente necesitamos donde haya equidad social”, Fgallego en una columna de comentarios del periódico El Colombiano.

Estas son unas cuantas muestras de las perspectivas encontradas dependiendo del espacio o lugar que tenemos en la sociedad. De político a ciudadano, la realidad, la verdad difiere mucho.

La representación de los animales en el arte ha sido algo constante a través de la historia. Las civilizaciones antiguas se han valido de estos para dar determinados significados e importancia y marcar un contexto sociocultural de un periodo. En la prehistoria, comienzos de la civilización, los animales eran sinónimo de alimento y así eran representados, pinturas de animales siendo cazados son un claro ejemplo del intento del hombre por representar y plasmar lo que veía y pasaba a su alrededor. Están pinturas tenían un alto valor simbólico ya que este se convertía en un medio de comunicación de un cazador con otro.

En la antigüedad el significado del animal como alimento trasciende y comienzan a ser percibidos como dioses o a estar relacionados con ellos. Acá los animales predominan sobre el humano y constituyen la imagen principal de la obra. En muchas de las civilizaciones antiguas los animales representan deidades, y de allí aparecen las hibridaciones entre hombre y animal, otorgándoles un nivel superior sobre los humanos. Los animales adquieren un carácter místico, en donde se les da cualidades de protección, sanación, guía, mal augurio, entre otras. Dependiendo del papel que cumplen y su cualidad es ubicada dentro de las ciudades, si el animal simboliza protección se encontrará en la entrada de la ciudad, si representa poder estará situada en el lugar donde reside el faraón, rey o representante de Dios ante los hombres.

La pintura y escultura animal a diferencia de la del hombre, tiene características más verosímiles a las reales, es más fiel a la naturaleza pudiendo llegar a la expresión de movimiento que le otorga un carácter más dinámico dentro de la escena.

Tanto es el poder que ha tenido la representación de los animales en la historia que se han creado alrededor del mundo mitos, hipótesis, teorías, cuentos a partir de estos. Lo desconocido, lo sobrenatural se ha mitificado, se le ha otorgado poderes místicos y se ha convertido en creencias.

Las hibridaciones hacen parte de las representaciones artísticas en donde los imaginarios de una cultura otorgan características monstruosas y fantásticas a la mezcla entre humanos y animales. La creación y representación de seres fantásticos híbridos demuestra la necesidad humana de apropiarse de atributos animales, con la finalidad de establecer un canal de comunicación con los poderes de la naturaleza. La acumulación en el cuerpo humano de características animales simboliza el máximo poder y una mayor perfección por ser representaciones de dios.

Otros mitos dicen que algunos dioses del olimpo poseen la capacidad de convertirse en animales y así los animales adquieren el carácter de lo divino.

En otras culturas el arte y representación de los animales como es en el hinduismo toma un papel de sagrado, siendo esta una de las culturas que viven en comunión con animales que le han otorgado este significado divino.

La cultura hip hop desde sus inicios y hasta el día de hoy se ha visto marcada por falsas creencias sobre quienes siguen y escuchan este tipo de música tachándolos como un mal ejemplo para la sociedad, cansados de este pensamiento, artistas y grupos musicales se han dado a la tarea de hacer cambiar las ideas a través de mensajes claros y concisos demostrando así sus ideas, las ganas de luchar, de expresarse, ser escuchados, y buscar una manera de escapar del conflicto que nos aflige como lo es la violencia.

Durante mucho tiempo en la ciudad de Medellín han surgido y siguen surgiendo artistas y grupos  o “parches” representativos tales como lo son Laberinto, Zonata crew, Sociedad FB7, K-no, La K-musik, Narcopoetas, La Clika, entre muchos más, con estilos diferentes para todos los gustos entre el gremio hip hop.

El rap no solo es un estilo de vida como lo definen muchos artistas, el rap es algo más profundo... es el amor por el mundo, por todo lo que hay en él, es el gusto por un ritmo o quizás así lo veo yo, ya que se busca mediante este que muchas cosas mejoren ya sea en el ámbito social, ambiental, emocional, y/o psicológico con el contenido de sus letras. Esta música es una forma de expresión y así  lo que se expresa es lo que se vive en carne propia, y lo que se vive son las bases para sus escritos. En estos escritos podemos encontrar muchos tipos de vocabulario ya sea metafórico, poético, analógicas, jerga, y expresiones urbanas o “de la calle”.

Muchas personas no han estado de acuerdo con este tipo de música y movimiento, hasta el punto de escuchar comentarios que podrán imaginarse y preferiría no mencionarlos  pero francamente no parecen de una persona razonable y parecieran de la edad de piedra, no tienen grado de tolerancia ni respeto... a este tipo de personas yo los llamaría ignorantes por ir en contra de la voz de una persona que representa la de muchas... es como la voz del pueblo, y ya saben lo que se dice de ella...

Pero sin dejarnos opacar por un número de personas seguimos tras la lucha y por la victoria… contando así con el apoyo a la juventud por parte de la secretaria de cultura ciudadana que ha creado espacios para los jóvenes al darse cuenta que la música  es una salida viable para la problemática que vivimos.

Podría hacer un paralelo, entre noticias y rap, muchas de las barbaries que se ven allí, son las mismas que se expresan  en esta música, muchas de las escenas ficticias de amor en novelas, son reales cuando son narradas por estos escritores. Muchos son poetas, otros tan solo raperos... hay diferentes pensamientos y diferentes formas de definir esta cultura.

Queremos comenzar este análisis comentando que hasta ahora, de las películas basadas en la literatura que hemos visto, “El club de la pelea” es de las más fieles adaptaciones al cine de una obra literaria. A pesar de que el final de la película no es igual al del libro, casi el resto de la película sí, añadiendo algunos detalles que en el libro no suceden.

El acierto de la adaptación del libro al cine es que a pesar de que cambian  lugares de escenas por decisión de los realizadores de la película, no cambia la finalidad de la  acción, no cambia el derrotero de los personajes.

En cuanto a nuestra perspectiva, al haber visto primero la película, ya teníamos una idea de lo que sucedería en el libro. Cada vez que avanzábamos en la lectura del libro, este nos transportan a los diferentes lugares, pero los personajes que recreaban nuestras cabezas eran los mismos de la película, y los lugares igualmente, puesto que ya teníamos las imágenes mentales del largometraje, pero existen diferencias en el libro  que nos hacen cambiar por así decirlo la película en nuestras cabezas y esas imágenes mentales que tenemos siguen actuando con la lectura.

El libro fue escrito por Chuck Palahniuk en el año de 1996 y la película fue dirigida por David Fincher en el año de 1999.

La película y el libro consisten en una  historia narrada en primera persona de un hombre de clase media consumido por el tedio y la rutina de una vida vacía, el cual se ve atrapado por el impulso de consumir y comprar promulgado por las grandes multinacionales. Busca algo que lo llene y le satisfaga y poder calmar el insomnio que padece, el protagonista comienza acudir a grupos de apoyo para enfermos terminales, creyendo que ver sufrimiento verdadero calmará su malestar. El narrador es Edward Norton  en la película, al que nombraremos Jack ya que, pese a que no dice su nombre, se refiere a sí mismo de esa manera en algunas ocasiones (en el libro era Joe) consigue recuperar su felicidad y conciliar el sueño, hasta que descubre que una mujer llamada Marla (Helena Bonham Carter), una cínica y depresiva cuasi- indigente, hace lo mismo que él. Poco después, en un viaje de negocios (en el libro es en una playa), Jack conoce a Tyler Durden (Brad Pitt), un extravagante vendedor de jabón, el cual es su opuesto, lindo carismático, libre, desprejuiciado y hace todo lo que se le viene en gana, sin explicaciones.

Este le enseñará a ver la vida desde un punto de vista totalmente diferente, basado en la auto destrucción, y no en la auto perfección impulsada por la sociedad. 

Luego de conocerlo, Jack ve su apartamento destrozado por una explosión,  y busca ayuda en Tyler, al que apenas conoce. Comienza a vivir con él y juntos, fundan un club de la pelea en el que los miembros luchan voluntariamente para desahogar sus tensiones y experimentar un dolor que les dé una especie de catarsis, la cual necesitan, allí no se gana ni se pierde. Una de las reglas del club es no hablar del club, y las siguientes son la misma. Este club se vuelve famoso en el bajo mundo, y comienzan a crear sedes en otras ciudades. Es así como estas peleas callejeras se convierten en una organización terrorista, la cual tiene un sentido y espíritu anárquico y subversivo. Luego, en un momento de la historia, Tyler desaparece, dejando a su grupo con el proyecto Mayhem, el cual consistía en derrumbar el sistema capitalista, porque para crear hay que destruir primero, decía Tyler.

Jack es Tyler, Tyler es la representación de lo que Jack no era capaz de ser pero quería serlo, el superhombre del que hablaba Nietzsche, lo idealizo hasta que se dio cuenta que era él mismo.

Tanto el libro como la película hacen una descripción profunda de los personajes que van apareciendo a lo largo de la historia. Bob, Marla, Cloe son algunos de los personajes secundarios sobre los cuales el autor del libro realizó una focalización externa, como también propuso una descripción detallada de cada uno de estos, que como en el caso de Cloe (“He aquí el esqueleto minúsculo de una mujer llama­da Cloe cuyo trasero sin relieve deja los pantalones col­gando, vacíos y tristes”), el narrador se mete en sus pensamientos y los cuestiona (“Allí estaba, tan próxima a la muerte que le ha­bían liquidado la póliza del seguro de vida con setenta y cinco mil pavos y, en realidad, lo único que Cloe desea­ba era echar un último polvo.”)

Es importante en el libro las numerosas frases que un principio carecen de sentido, son representaciones subjetivas del personaje, sin embargo, estas frases se desmienten y se perfeccionan así mismas, siendo el personaje quien se contradice así mismo, mostrando de esta manera su doble personalidad. Pero en la película las citas aparecen en algún lugar de la novela, son el dialogo interno del narrador (Puesto en voz en OFF), o a veces, dicho por otros personajes. Todas las estructuras de dialogo que encontramos que siguen la pauta del personaje de hablarse así mismo, son una manera que tiene el personaje de expresar su complejidad de un modo directo. Por ejemplo el personaje tanto en el libro como de la película, ya sabe las historias que le cuenta Tyler, su amigo, porque en realidad ya las ha vivido por sí mismo (“Tyler me cuenta eso, pero, no sé cómo, yo ya lo sé”).

Normalmente, a lo largo de la película, notábamos que nosotros sabíamos lo mismo que el personaje y  sin embargo cubríamos las cosas juntos, como si siendo de espectador no quisiéramos revelar lo que ya se sabe del personaje. Como el hecho de que Tyler y el protagonista sean la misma persona. En cambio en el libro, es un abatir constante entre los pensamientos del personaje y sus diálogos. Este simplemente narra los acontecimientos desde dos puntos de vista, desde él y desde los de Tyler, es por esto que sus seguidas contradicciones se hacen presentes a lo largo de todo el libro (“Para Dios es como si hubiera un hombre a solas con una pistola en la boca, pero es Tyler quien empuña el arma y es mi vida”).

Como decíamos al principio de este análisis, los dos finales son totalmente distintos. El final de la película se reduce más a una adaptación romántica, donde Marla interviene el disparo que Tyler procedía a pegarle al personaje, allí el protagonista y Marla cogidos de la mano, presencian la explosión de todos los edificios presentes ante ellos, donde la frase “Me conociste en un momento muy extraño de mi vida” es la frase llamativa que finaliza la historia, dándole un toque sereno y pacificador a pesar de la turbulencia de todos los edificios a su alrededor. En el libro en cambio, se sigue la misma línea de narración cuando Marla detiene el disparo que él mismo se daría, en este momento desaparece Tyler, y el personaje aclara “Tyler es una alucinación mía, no suya. Tyler ha desapa­recido. Rápido como un truco de magia. Y ahora sólo soy un hombre con una pistola en la boca.” Pero la conversación de Marla y el personaje se hace más intensa, el personaje insiste en matar a Tyler, que en sí es él mismo y aprieta el gatillo. Sin embargo, el autor deja a los lectores un final abierto, donde mantiene el sentido del libro sin perderlo en el final. El gran odio por el consumismo de las personas, la sociedad capitalista y sus impulsos revolucionarios se hacen presentes en este final y nos deja como interrogante, si de verdad él pudo matar a su otro yo.

Concluimos entonces, que esta obra, tanto su adaptación en el cine, como su obra literaria son una exquisita narración. La película, a pesar de ser reducida pese al tiempo en pantalla da una fidedigna  adaptación de su libro, tanto en detalles como en diálogos, sin dejar de aclarar que no todos eran completamente literales. El libro mientras tanto, es una narración completa llena de grandes frases y conversaciones alargadas internas, donde el personaje desarrolla su historia pese al hilo de sus pensamientos.

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